Tipos De Bailes: Historia Del Jazz.

•05/04/2011 • Dejar un comentario

- La danza jazz es un arte popular, una mezcla de danzas etnológicas y sociales. Es folclore urbano. Los distintos tipos de jazz son: el tradicional, el góspel, el funk y el primitivo afrocaribeño. Un estilo más pulido es el Broadway jazz, que se baila en los musicales de Nueva York, y actualmente en otras ciudades. Requiere una buena formación, ya que es un baile con cierta dificultad y en el que además se necesita un nivel alto de flexibilidad. Es importante tener un elevado nivel de concentración para ser capaz de coordinar todas las partes del cuerpo. Tener un buen conocimiento acerca del ritmo musical hace más fácil el estudio de este baile ya que de esta forma la medida de los tiempos del baile no resulta tan complicada.

Los contenidos de la Danza Jazz potencian la capacidad para la manifestación de nuestros sentimientos y la formación de hábitos de constancia y autoexigencia. La danza jazz es una de las actividades más demandadas por los jóvenes, pero esto no quiere decir que personas adultas no puedan practicarla. Utiliza el cuerpo para descubrirnos, desarrollar la imaginación y la creatividad, así como para liberarnos de los bloqueos mentales. Emplea múltiples técnicas como las del ballet clásico, de la danza contemporánea y la expresión corporal. Desarrolla una buena forma física y permite pasar un buen rato mientras aprendes.

ORIGEN DEL JAZZ

Tiene su origen en las danzas negras del siglo XIX, cuando ciertas formas diluidas de danzas sociales negras fueron adoptadas por blancos.

Progresivamente fue tomando elementos del ballet, así como de otros bailes más modernos. Pasó por diferentes influencias de bailes como el charlestón, el big apple y el jittergug. Como danza para el escenario, la danza teatral de la década de 1940 experimentó un desarrollo mayor y en las décadas de 1950 y 1960 surgió un estilo que tomaba los elementos que necesitaba tanto del ballet como de la danza moderna y del claqué. Este estilo acentúa la línea corporal, la movilidad del torso y un trabajo de piernas rápido y preciso con los pies en paralelo.

Hoy en día la Danza Jazz es una de las danzas más concurridas por niños, jóvenes y adultos, por su gran variedad de estilos modernos así como por sus numerosas combinaciones de movimientos, las cuales hacen que las creaciones de cada coreógrafo sean diferentes, hermosas y con un estilo propio.

Actualmente existen tantas combinaciones de esta danza que es muy divertido crear coreografías dinámicas cada día y con estilos propios de los alumnos o de los bailarines, demostrando la belleza del cuerpo humano y las diferentes formas que puede tomar éste, así como todo aquello que no nos imaginamos que podemos lograr.

- Jazz (danza), término amplio para designar la danza social y artística de la música que utiliza el jazz o alguna de sus variaciones. Como danza social, el jazz tiene su origen en las danzas negras del siglo XIX y anteriores. Hacia 1910 ciertas formas diluidas de danzas sociales negras fueron adoptadas por blancos.
Ciertos bailes como el charleston, el jitterbug y el twist tienen movimientos con vestigios de África y de las primitivas danzas de esclavos. Otros, como el fox-trot, se pueden considerar como una danza europea de parejas adaptada a los ritmos de jazz.
Como danza para el escenario, el jazz está arraigado a las danzas sociales y teatrales del siglo XIX y principios del XX. Más tarde, la danza teatral de la década de 1940 experimentó un desarrollo mayor y en las décadas de 1950 y 1960 surgió un estilo que tomaba los elementos que necesitaba tanto del ballet como de la danza moderna y el claqué.
Este estilo acentúa la línea corporal, la movilidad del torso, un trabajo de piernas rápido y preciso con los pies en paralelo (a diferencia de los pies girados hacia fuera del ballet) y exagera los movimientos de ciertas partes del cuerpo, como los hombros.


Charleston

La danza jazz surge de las danzas negras del siglo XIX. A mediados del siglo XX toma elementos del ballet, de la danza contemporánea y del claqué. A partir de ese entonces surgen nuevos estilos que acentúan la línea corporal, la movilidad del torso, etc.

“Jazz” proviene del francés antiguo “jasm”, vitalidad, o del “argot” jas, sexo. El jazz es un energético y espectacular baile de escenario. Es normalmente catalogado como parodia, comedia, libertad, ironía e improvisación.

“La danse jazz est un art populaire, une sorte de mélange de danses ethnologiques et sociales”
Jean Sabatine, crítico frances

“Jazz is urban folk”
Jack Cole

Los distintos tipos de Jazz son: el tradicional, el gospel, el soul, el funk y el primitivo afrocaribeño. Un estilo más pulido es el Broadway jazz. Este último se baila en los músicales de New York y en otras ciudades del norte de América. Es dinámico, poderoso y se enseña en la mayoría de las clases.
El jazz se encuentra en las obras musicales, en conciertos y video clips de grupos de música pop con un beat simple y fuerte.

El hip hop, llamado también jazz rock es el que se baila con este tipo de música. Pero, la música de jazz, originalmente, tiene un ritmo mucho más complicado; es uno de los bailes que, por la flexibilidad que tienen los bailarines, más cambios posee. En Broadway, las obras mas famosas son “Westside History” y “A Chorus Line”. “Fame” y “Flashdance” son las películas de Jazz mas famosas. Entre los buenos bailarines de jazz se encuentran Kathérine Dunham (1909-2006), Jack Cole (1911-1974 , Alvin Ailey 1931 – 1989 Donald, Mc. Kayle, y Talley Beatty.



A chorus line 1985

El jazz comenzó como uno de los movimientos de baile popular de los inicios del siglo XX. En esa época, la música jazz era la que se escuchaba en la radio. Los pasos de danza adoptaron el nombre “jazz” de la música jazz. De hecho, fue bastante simple; sin embargo, esta respuesta nos lleva a otra pregunta: ¿es la danza que en la actualidad llamamos jazz digna de su nombre?

El ballet es fácil de reconocer. Tan pronto como vemos los pies rotados hacia afuera, el cabello atado con rodete y los brazos elegantes sabemos que estamos viendo ballet. En cambio, el jazz resulta un poco más difícil. El término jazz es una etiqueta que ponemos a las danzas de los espectáculos de Broadway, de los videos de MTV, de compañías de danza de concierto como la de Hubbard Street Company , de los bailarines callejeros, de los grupos de danza drill (*) y de los bailarines de tap.

A pesar de que estos tipos de baile parecen ser muy diferentes, tienen una raíz común. Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la improvisación. La danza original tomó estos mismos elementos. La síncopa es el elemento que le da a la música y a la danza su sabor y su emoción. El jazz no es ni monótono ni árido, pues está lleno de cambios inesperados y repentinos. Los diversos tipos de danza jazz surgieron del énfasis en la importancia del estilo individual y de la improvisación. Como lo que hemos observado en los bailarines de hip-hop de hoy, el jazz subraya la expresión individual. Cada maestro, bailarín y coreógrafo aporta un estilo único a la gran mezcla. Junto con la síncopa y la expresión individual, la conexión con la música es otro elemento del jazz. La música y la danza van de la mano. La danza expresa la música sin importar si ésta es jazz, blues o rap.

(*) La danza drill comenzó en los Estados Unidos en 1932. Los grupos que la practicaban mezclaron el orden y la perfección de los grupos militares y los de las rutinas interpretadas en el medio tiempo de los partidos de fútbol con el jazz.

Este estilo de danza se caracteriza por la búsqueda de la perfección en la ejecución de los pasos por todos los integrantes del grupo, por la formación rígida y, en ocasiones, por la igualdad de apariencia entre sus miembros.


Broadway Jazz

El árbol genealógico del jazz
Ahora imaginemos que la danza es un enorme roble. En las raíces del roble encontramos la música jazz. El tronco del árbol está hecho de los tres elementos: la síncopa, que lo hace emocionante; el estilo individual, que brinda variedad; y la expresión musical, que lo hace más real. Ahora imaginemos que del tronco salen cuatro ramas centrales desde las que se extienden todas las demás.

La primera y más vieja rama es aquella de la danza popular. El hip-hop, el break dance, el disco, el twist y el swing crearon furor entre danzas populares de la música de su tiempo. Los pasos originales del jazz fueron exactamente esos. La danza popular da una gran importancia al estilo individual y a la expresión musical. Pero espera, me dirán ustedes, la mayoría de estos estilos musicales no usan la síncopa. Es cierto. Cuando nació el rock and roll, la síncopa desapareció de la música popular. Sin embargo, lo que vemos en la danza popular es una síncopa “visual”. Los cambios dinámicos frecuentes y los movimientos inesperados hacen el baile emocionante.

La segunda rama es la de la danza de teatro musical. Ya que el ballet es la danza de los reyes y las princesas, los musicales necesitaron danzas que vinieran de la gente común, por lo que utilizaron los pasos de los bailes populares y los combinaron con sus canciones. El jazz del teatro musical utiliza todos los elementos que hemos mencionado: es dinámico, individual y está estrechamente relacionado con la música.

La tercera rama que se desarrolló es la de la danza jazz de concierto. La danza de concierto se refiere, básicamente, al mundo del ballet y las compañías de danza moderna. Después del nacimiento de las técnicas formales de danza jazz en el teatro musical, este estilo halló su lugar entre las compañías de concierto. Así se mezcló con las técnicas moderna y clásica, por lo que frecuentemente se le denomina Jazz moderno . De cualquier manera, algunas compañías han comenzado a llevar una clase más tradicional de jazz al escenario.

La cuarta rama es la de los equipos de danza drill , las porristas y la gimnasia. Aquí nos vamos hacia afuera del árbol (hacia los márgenes de la escena) por esta rama que es más una vara que una rama. Digo esto porque dichos estilos se separan del tronco del árbol más adelante, debido a que la enorme importancia que le dan a la precisión y a la conformidad impide la expresión del estilo individual. Además, el uso de música repetitiva y de acentos constantes daña la emoción de la síncopa. Es cierto que posee mucha energía; sin embargo, cuando hay un acento en cada pulso, éste ha dejado de ser inesperado o emocionante (¡es ensordecedor!). La síncopa requiere de variación en la dinámica. Los grupos de danza drill , las porristas y la gimnasia usan los mismos pasos que las otras ramas, pero no están tan conectados con el tronco y el corazón de la danza jazz.

A esta altura ya tenemos la imagen del árbol de la danza jazz plantado con firmeza en nuestras mentes. Ahora imaginemos que de las tres ramas (y la pequeña vara) se elevan cientos de miembros de nuestro árbol. Cada uno representa el estilo personal de un maestro. Finalmente, imaginemos que en esos miembros crecen miles de hojas que representan a cada estudiante de jazz. Sin importar lo diferentes que sean estos estilos, todos somos parte del mismo magnífico árbol de la danza jazz.


Odyssey Dance Theater de UTA

Hubbard Street Dance Company

Dance drill – Porristas de Anahuac, México

Jitterbug

Twist – Chuby Checker

Foxtrot

Claqué

Fama 1982

Flashdance 1983

Tap

Street dance – BEEFnoodles

West Side Story 1962

Katherine Dunham s legs

Jack.Cole y Rita Hayworth

Alvin Ailey by Jack Mitchell

CARECTERISTICAS QUE CONTIENE EL JAZZ

  • En este estilo la movilidad del torso es muy importante.
  • Es característica la posición de los pies en paralelo, a diferencia de los pies en primera posición (girados) del Ballet.
  • Es una danza muy terrenal, es decir, que se trabaja más con el suelo.
  • La flexibilidad tiene una mención especial en esta danza. No es el elemento más importante pero sí que es significativo.
  • Los elementos de la música jazz son la síncopa, el estilo individual y la improvisación. La danza jazz original tomó estos mismos elementos. La síncopa es el elemento que le da a la música y a la danza su sabor y su emoción.
  • La música y la danza van de la mano. La danza expresa la música sin importar si ésta es jazz, blues o rap.
  • La expresión corporal, así como de los movimientos, es la base de este baile.
  • Permite a la persona que la practica eliminar los bloqueos mentales.

TECNICA DEL JAZZ

La danza jazz no tiene una técnica concreta; sin embargo, son necesarios conocimientos de danza clásica (Ballet)  así como de danza moderna. Como el jazz se ha auxiliado en la danza clásica para enriquecer sus movimientos, posiciones…, es necesario saber ballet para estudiar este baile.

La expresión corporal juega un papel muy importante. En este tipo de baile la expresión de los sentimientos es fundamental. Permite al bailarín su descubrimiento personal. Al ser generalmente una actividad en grupo, ayuda a fomentar las relaciones sociales entre los participantes, de tal modo que permite pasar un rato agradable mientras se aprende una disciplina.

Como se ha mencionado anteriormente, la danza jazz va de la mano de la clásica, ya que sin la técnica de ésta no se llega a una buena estilización de los movimientos que son requeridos dentro de ella. Así que es de suma importancia tener conocimiento de varias técnicas antiguas pero elementales (como la “La técnica de Luigi”, por mencionar alguna) que son importantes en la vida y el aprendizaje de un bailarín.


Tipos De Bailes: Historia Del Street Dance.

•01/04/2011 • Dejar un comentario

– Desde tiempos remotos el cuerpo, la danza y el movimiento fueron medios que el hombre utilizó para expresar sus sentimientos y emociones. A lo largo de la historia adquirió distintas formas y funciones. Acompañando acontecimientos sociales como el nacimiento, la consagración de los jóvenes, el matrimonio, la muerte, o asociada a lo religioso, la danza en distintas culturas, está presente como una necesidad primordial del hombre. En los años 70 en el sur del Bronx, Nueva Cork, los jóvenes de la comunidad latina y afro americana con una larga historia de pobreza y marginación, guiados por la necesidad de bailar y al no poder acceder a los estudios de danza desarrollaron un estilo de danza en las calles. Esta danza formó parte de un estilo de vida alternativo a las bandas delictivas y a la violencia, brindándoles la posibilidad de establecer lazos sociales y de expresarse de una manera creativa y no violenta.

Street dance (SD) es el termino que se utiliza para describir estos estilos de danza que por naturaleza son danzas sociales, de mucha improvisación y contacto con el espectador y entre los bailarines.

Características
Contrariamente a otras formas de danza la mayoría de las SD alientan la creatividad y originalidad individual. Los bailarines interpretan libremente los movimientos ya existentes, improvisando y creando nuevos. La improvisación es el corazón de las danzas de la calle es por eso que la danza está en constante desarrollo. Muchas SD incluyen encuentros o duelos conocidos como jamming. Los Jamm son un tipo de espectáculo informal que ocurre dentro del marco de una danza social. Los bailarines forman un círculo y por turnos, solos o en parejas, muestras sus habilidades mientras los otros observan y deciden quién es el ganador.

Estilos. Generalmente SD esta asociada al funk y al hip hop. Sin embargo son muchos los estilos que involucra: Breakdance, Hip hop, Krumping, Liquid dancing, Locking, Popping, Robot, Tutting, Uprock.

El Hip hop formó parte de un Movimiento cultural que se dice que comenzó con el trabajo del DJ Herc. El termino “hip hop” se cree que ha sido utilizado por primera vez en la canción “Rapper’s Delight” de The Sugarhill Gang (1979).

” ESTILOS DENTRO DEL STREET DANCE “

Breakdance: conocido también como breaking o b-boying, incluye parte de los movimientos del hip Hop. Breaking es uno de los 4 elementos de la cultura Hip Hop, los otros tres son MCing (rapping), DJing, (Disc jockey) y el graffiti.

Popping: consiste en la contracción y relajación rápida de los músculos para causar un impulso en el cuerpo del bailarín relacionado con un golpe. Es realizado continuamente siguiendo el ritmo de una canción en combinación con otros estilos de movimientos de mímica.

- Locking: se caracteriza por rápidos y distintos movimientos de manos y brazos combinados con movimientos mas relajados de piernas y caderas. Los movimientos son generalmente largos y exagerados, frecuentemente rítmicos y sincronizados con la música. Suele estar más ligado a la performance con mayor interacción con el público (sonriendo y “chocando los cinco” ) Originariamente se bailaba con música funk tal como la de James Brown. El nombre esta basado en los movimientos que básicamente consisten en congelar luego de un movimiento rápido o llegar a determinada posición sosteniéndola por un corto lapso de tiempo para luego continuar con la misma velocidad que antes. Incluye movimientos acrobáticos y de destreza física como aterrizadas con las rodillas o con abertura de piernas total.


“Popping y locking son consideradas danzas funk mas que de hip hop pero hoy están totalmente asociadas y comparten muchos elementos de las SD”.

CADA VEZ SURGEN NUEVOS ESTILOS DETRO DEL STREET DANCE Y LOS MAS RECIENTES SON LOS SIGUIENTES:

Krumping:es una forma de danza originada entre la comunidad afro americana de la zona central y sur de Los Ángeles, California y es una forma relativamente nueva de danza negra urbana. Es una danza libre, con mucha improvisación, expresiva y muy enérgica.

Robot o maniquí: es una danza que genera recrea los movimientos del robot. Esta danza fue popularizada por Michael Jackson.

Uprock: es danza competitiva en sincronización con el ritmo del soul, rock y el funk. La danza consiste en vueltas y movimientos libres, movimientos repentinos del cuerpo llamados “jerks” y gestos de manos llamados “burns”.

Tutting : es el nombre dado a la danza interpretativa abstracta y contemporánea que explota la habilidad del cuerpo para crear movimientos y posiciones geométricas predominando el uso de ángulos rectos.


Liquid dancing o liquiding: es una danza gestual interpretativa que incluye elementos de pantomima. El nombre describe el movimiento fluido del bailarín especialmente de sus brazos y manos.

Aunque surgió en las calles hoy existen compañías y coreografías creadas especialmente para el escenario. También se hacen competencias mundiales muy reconocidas como Battle of the Year, Juste Debout, G force Street Dance (Inglaterra), iDance UK Hip Hop Crew Championships, American Lindy Hop Championships y Jump Off. Las Danzas de la calle crecieron y se desarrollaron mucho más allá de las calles del Bronx. Se independizaron de sus humildes orígenes y mucha es la gente que baila sin tener conexión con la motivación y la cultura de origen.

Sin embargo, aunque estas danzas ya hayan sido absorbidas por la cultura del consumo, el negocio del espectáculo y la televisión, seguramente en algún lugar remoto del planeta algún alma esté creando en este mismo instante nuevas danzas, para expresar su más profundos sentimiento y repetir así la necesidad ancestral de bailar.


Tipos De Baile: Historia Del Funky.

•01/04/2011 • Dejar un comentario

Funk es un estilo musical, muy popular durante los años 1970, que se generó en el ambiente nocturno de las comunidades afroamericanas en Estados Unidos. Nacido como una evolución de algunos elementos del soul y el jazz anteriores, el funk se consolidó como un estilo propio y marcó el camino de la música bailable de ahí en adelante.

El instrumento fundamental en este estilo de música es el Bajo, requiriendo una gran proficencia técnica y la creación de líneas melódicas sobre las que se construyen los arreglos del resto de los instrumentos. Una técnica muy utilizada por los bajistas Funky es el slap.
La guitarra funk, por su parte, es muy diferente a una metal o rock, dado que se basa en la utilización de acordes simples generalmente en las cuerdas más agudas, utilizando el pedal de Wah Wah para dar un sonido más percusivo al instrumento.
La batería tiene una métrica y síncopes característicos, y es una de las partes más evidentes que se han heredado del funk casi sin cambios desde sus inicios, a través de las diferentes formas de música hip hop y más tarde de música electrónica de baile, pero con composiciones más repetitivas y marcadas.
Hay diferentes variantes del Funk, la más común, es fácilmente reconocible por su ritmo sincopado, sus marcadas líneas de Bajo, fraseos de guitarra rítmica y un énfasis casi sexual en la interpretación vocal. Existe también un tipo de Funk más crudo, con guitarras más distorsionadas, un grupo que nos sirve de ejemplo es Red hot chili peppers, cuyo estilo es catalogado por algunos como Funk/Metal, y por otros como Funk/Rock, aunque cabe desatacar que las influencias del grupo tienen corrientes de ambos estilos. Otro tipo es el denominado rock/funk con el grupo Primus como principal exponente. Por otra parte, encontramos a intérpretes tales como Jamiroquai, con un tipo de Funk más jazzístico, relajado y emparentado a la música electrónica de los 90′s.
Entre las bandas y músicos clásicos de este género se destacan:

James Brown
Sly and the Family Stone
George Clinton
Funkadelic
Parliament
Stevie Wonder
Prince
The Ohio Players
The Commodores
Kool & The Gang
The Gap Band
KC & The Sunshine Band
Curtis Mayfield
Earth Wind & Fire
Otras bandas y músicos con influencias del funk:

Fundación Tony Manero
Maceo Parker
Willy Crook
Jamiroquai
Red Hot Chili Peppers
Los Tetas
Chancho En Piedra
Los Amigos Invisibles
La roja
Y en cuanto a importantes bajistas es posible nombrar a:

Bootsy Collins
Flea
Rulo
Les Claypool
Robert “Kool” Bell
Stuart Zender
Marcus Miller
Jesús Gabaldón
John Patitucci
Verdine White
Victor Wooten
Jaco Pastorius
Louis Johnson
Larry Graham
German Orozco
José Rafael Torres

Comienzos de la música Funk para llegar a la Onda Disco y nuestros tiempos by “Funk”.


Aproximadamente, desde la mitad de los 60′s. James Brown, y la primera formación de Kool and the Gang, estaban dando sus primeros pasos en la música Soul, pero ya en el año 70, Sly Stone, fue quien dio los primeros pasos en lo que sería el Funk, con una temática de crear una música bailable que tuviese la misma llegada tanto para los afro americanos como para los blancos. James Brown, uniéndose a esta iniciativa edita su primer éxito Funk “Sex Machine”, dejando en claro este nuevo estilo.

Al mismo tiempo Kool and the Gang, inspirado en James Brown, se consagra con el single “Kool and the Gang”. La temática fundamental de este movimiento es un estilo donde el bajo, y las percusiones, asumen el protagonismo, favoreciendo el ritmo, la sincronía, y la improvisación, en desmedro de la estructura melódica.

Los militantes del Funk lo describen como una música alegre, festiva, y sensual, de hecho, la palabra deriva de un olor intenso generado por los que gozan bailando este estilo.
George Clinton, (llamado el padre del Funk) legendario líder de Parliament, consagró el género en los años 70′s, convirtiéndolo casi en una filosofía de vida. Con Clinton el Funk adquirió una estética kitsch y sicodélica, y de un tono ideológico que combinaba la crítica social con el humor propio de la contracultura estadounidense.

En el transcurso de estos años fueron surgiendo producciones como las de Kool and the Gang, Earth Wind and Fire, The Commodores, Fatback Band, The Gap Band, Rick James, entre muchos otros, que consagraron definitivamente este estilo.

La instrumentación de estos grupos constaba de líneas rítmicas de bajo, guitarras con mucho efecto, y secciones de vientos, con percusiones agudas y de golpes secos.

La vestimenta se inclinó hacia los pantalones “pata de elefante”, camisas de cuello largo, lentejuelas, y colores bastante extravagantes; por supuesto esta manera de vestir iba complementada con los ya conocidos peinados “afro”.
Uno de los mejores ejemplos en cuanto a los atuendos y vestimenta que el Funk atrajo, es ver alguna presentación o video de George Clinton.

El Funk fue el gestor directo de la onda Disco, siendo este nuevo estilo ya una música más estilizada, retomando la estructura melódica, con voces más armonizadas.
La base rítmica se fundamenta, básicamente, en un compás de dos tiempos, obviamente sin perder la alegría y fuerza del Funk.

La onda Disco logro su máximo auge el 14 de Diciembre de 1977 cuando se realizó el estreno de la película “Saturday Night Fever”, la cual iba complementada por la banda sonora de los BeeGees, que, con “Staying Alive”, llegaron a los topes de taquilla.

A este impulso se agregan grupos como “K.C. and the Sunshine Band”, ” Tabares”, “Donna Summer”, “Gloria Gaynor”, “M”, “Foxy”, “Kool and the Gang”, “Cheryl Lynn”, “Chick”, “Sugarhill Gang”, “Sister Sledge”, “The Whisper”, “Kurtis Blow”, “The Commodores”, “The Jackson Five” y muchos otros que impusieron ya definitivamente el “Disco” como el estilo de esos tiempos. Cabe destacar que muchas bandas mesclaron estas dos tendencias creando piezas maestras musiclamente hablando, SugarHill Gan, fue un grupo revolucionario, incorpora bases y una serie de detallles que con el pasar del tiempo fueron inspirando a musicos para generar nuevos estilos.

Entrando en los años 80′s, finalizando el auge del “Disco”, las bandas que suben a la cabecera, comienzan a utilizar más bases programadas (haciendo más uso del sintetizador), dejando un poco de lado los instrumentos tradicionales y dando un giro al concepto de “Disco”. Aquí destacan “Village People”, “Patrick Hernandez”, “Michael Jackson”, “Stevie Wonder”, “Prince”. Estos estilos (tanto el Funk como el Disco), a pesar de no haber tenido un periodo extenso en la historia musical, dejaron un legado de estructuras rítmicas y melódicas que muchos músicos, en la actualidad, han retomado adaptando así estos estilos para las nuevas generaciones tales como “Red Hot Chili Peppers”, “Chancho en Piedra” “Jamiroquai”, “Heavy D”, “Brand New heavys”, “Los Tetas”, “Papanegro”, “Sardonicos”, “La Toplera” etc.

No sólo se mantiene el estilo actualizado, sino que tambien nacieron nuevas tendencias, a contar de los 80′s a 90′s, como son el Rap y el Hip-Hop. Con el éxito de Public Enemy en el año 87 se consagro definitivamente este estilo, convirtiéndose este en el primer mega grupo de rap.

Posteriormente nacieron otras agrupaciones como NWA – KRS-ONE – Ll cool J y sus derivados como ICE CUBE – DR.DRE – EASY E. EL Hip Hop nace como un derivado directo del RAP, con una riqueza de samples de todos esos ídolos del FUNK.

Con esto ruedan joyas escondidas del funk y el soul sobre una cruda precisión en plena armonía musical.


Refiriéndome a mi chilito existe un gran movimiento subterráneo Que crece cada día más tanto en Funk, Rap, Hip Hop. Los cuales han sabido llevar este estilo fuera de nuestras fronteras creando y desarrollando una cultura de autenticidad. Quizás sigan naciendo formas y estilos diferentes pero siempre siguiendo las estructuras creadas por los grandes del Funk y el Disco, sin dejar de lado el avance de la tecnología y la filosofía humana.

Tipos De Bailes: Historia Del Ballet.

•01/04/2011 • Dejar un comentario

Ballet Clásico

El ballet se originó a finales del siglo XV, a partir de los números de danza que se representaban en los festines de las cortes italianas. Estos elaborados espectáculos que desprendían pintura, poesía, música y danza, tenían lugar en grandes salas que se utilizaban tanto para banquetes como para bailes. Su contenido era normalmente alegórico-mitológico.

Los ballets cortesanos italianos fueron ampliamente desarrollados en Francia. El Ballet cómico de la Reina, el primer ballet del que sobrevive una partitura completa, se estrenó en París en 1581. Fue creado por Beaujoyeux y bailado por aristócratas aficionados en un salón con la familia real sobre un estrado al fondo y los espectadores en las galerías de los otros tres lados del salón. Ello determinó el carácter de los futuros ballets cortesanos, que cristalizaron en el siglo XVII en las diferentes cortes europeas con sus presuntuosos vestuarios, decoración, fuentes artificiales, luminotecnia, etc.

El ballet de corte alcanzó su cumbre durante el reinado de Luis XIV (1643-1715), cuyo nominativo de “Rey Sol” derivó de un papel que ejecutó en un ballet. Muchos de los ballets presentados en su corte fueron creados por el compositor italiano francés Jean Baptiste Lully y el coreógrafo francés Pierre Beauchamps, a quien se atribuye la determinación de las cinco posiciones básicas de colocación.

En 1661, Luis XIV fundó la “Academia Real de la Danza” para maestros . La danza empezaba a configurarse como una disciplina profesional.

En un primer momento solo los hombres podían participar, y los papeles femeninos los realizaban estos mismos disfrazados. Las primeras bailarinas aparecieron en 1681 en un ballet llamado “El triunfo del amor”.

La técnica de la danza en este periodo, recogida por Raoul Feuillet en su libro “Coreografía”, incluía pasos y posiciones todavía identificables. Se desarrolló una nueva forma teatral: la ópera ballet, que abarcaba el canto y la danza en una serie de danzas unidas por un tema común.

Los bailarines del siglo XVIII se veían entorpecidos por los trajes, zapatos, pelucas y miriñaques.

Fue Marie Anne Camargo quien acortó las faldas y empezó a usar zapatillas sin tacón, para exhibir sus pasos y saltos. Su rival, María Sallé desechó el corsé y se colocó túnicas griegas para bailar “Pigmalión”.

A pesar del virtuosismo de los bailarines franceses, los coreógrafos que trabajaban fuera de París consiguieron una expresión más dinámica en sus ballets. Fue John Weaver quien eliminó las palabras e intentó transmitir sentido dramático por medio de la danza y el gesto. En Viena se dio a conocer la pantomima.

En este sentido hay que destacar la figura de Jean Georges Noverre, cuyas Cartas sobre la danza y los ballets (1760) ejercieron una notable influencia. Para él, los movimientos debían fluir naturales y armónicos. Noverre encontró una oportunidad para plasmar sus ideas en Stuttgart, Alemania, donde produjo por primera vez “Medea y Jasón”.

Jean Dauberval, alumno del anterior, en su ballet “La fille mal gardée” (La muchacha mal custodiada, 1789) aplicó los principios de su maestro.

La danza en puntas empezó a desarrollarse, aunque los bailarines se ponían de punta sólo unos instantes, ya que aún no se habían inventado las zapatillas de punta dura.

El ballet “Las Sílfides”, cuya primera representación tuvo lugar en París, inauguró el período del ballet romántico. María Taglioni, solista, interpretaba una criatura sobrenatural que es amada y destrozada de forma involuntaria por un mortal. Las sílfides inspiraron muchos cambios en los ballets de la época.

También debemos mencionar “Giselle” (1841), con música de Adam y coreografía de Jean Coralli.

El ballet romántico, sin embargo, no se inspiró exclusivamente en temas sobre seres de otro mundo.

Las mujeres dominaban (y aún lo siguen haciendo) en el ballet romántico.

Entre el ballet que vivía un proceso expansivo en Europa y la escuela bolera (danza académica española) surgió un importante vínculo. Los temas españoles comenzaron a estar de moda en los repertorios de los ballets. El gran Marius Petipa cristalizó la esencia española dentro del ballet clásico, produciendo entre 1847 y 1888 junto a Ivanov una serie de ballets y fragmentos de aire y estilo españoles que son verdaderas obras maestras.

Pero en Europa el ballet empezaba a perder interés. Durante la segunda mitad del siglo XIX se produjeron pocos ballets destacables en la Ópera. Aunque sí que podemos señalar “Coppélia”, “Sylvia” y “La fuente”, con música de Leo Delibes.

Rusia, sin embargo, sí que siguió con la tradición del ballet, gracias al coreógrafo Marius Petipa. Entre sus obras están los ballets quizás más conocidos: “La bella durmiente” (1890), “El lago de los cisnes” y “Cascanueces”, las tres en colaboración con Liev Ivanov, sobre música de Piotr Ilich TChaikovski.

Petipa llegó a convertirse en un punto de referencia. Fokine hizo hincapié en la idea de la expresividad.

Los Ballets Rusos, fundados por S. Diaghilev con la colaboración del anterior, supusieron el inicio del ballet moderno. Supuso el resurgir de la figura masculina que había sido olvidada y la aparición de nombres como Vaslav Nijinski. La compañía creó un gran número de nuevas piezas, incluido un ballet de un solo acto de Fokine de temática oriental: “El pájaro de fuego” (1910), “Sheherazade” (1910) y “Petruska” (1911).

Diaghilev contrató no solo a compositores y coreógrafos sino también a artistas, pintores, poetas y compositores de Europa occidental, como Pablo Picasso y Maurice Ravel, para colaborar con los ballets. George Balanchine, y el bailarín y coreógrafo ruso francés Serge Lifar abrieron nuevos horizontes al ballet.

Aquellos artistas que habían colaborado en la compañía contribuyeron al florecimiento del ballet en Europa y América. Anna Pavlova, que bailó en las primeras épocas de los Ballets, creó su propia compañía. Fokine trabajó con el futuro American Ballet Theatre. Massine colaboró con el Ballet Ruso de Monte Carlo, compañía creada tras la muerte de Diáguilev. Dos antiguos miembros de los Ballets Rusos, Marie Rambert y Ninette de Valois, colaboraron en la difusión británica del ballet. De Valois fundó la compañía que llegaría a ser el Britain’s Royal Ballet.

Entre los años 1920 y 1930 comenzó a desarrollarse en Estados Unidos y Alemania la danza moderna. Martha Graham, Doris Humphrey y Mary Wigman, crearon nuevos estilos de movimiento con un progresivo acercamiento al realismo. Se amplió la capacidad de movimiento con un uso más libre del cuerpo.

En la década de 1930, Massine inventó el ballet sinfónico, que trataba de expresar el contenido musical de sinfonías de los compositores alemanes Ludwig Van Beethoven y Johannes Brahms. Balanchine a su vez comenzó a crear ballets abstractos. Jewels (1967) está considerado como el primer ballet de larga duración de este tipo.

Durante los años 40 se fundaron en Nueva York dos grandes compañías de ballet, el American Ballet Theatre y el New York City Ballet. A partir de la segunda mitad del siglo XX, se han creado compañías de ballet en muchas ciudades de Estados Unidos y de Canadá.

En los años 50, las compañías rusas (la del teatro Bolshói y el teatro Kírov, por ejemplo) hicieron por primera vez representaciones en Occidente. La influencia rusa sobre el ballet ha sido inmensa. Encontrándonos con los famosos casos de deserción como Rudolf Nureyev, Natalia Makárova, y Mijaíl Baryshnikov, director del American Ballet Theatre de Nueva York, desde 1980 hasta 1989.

En España hay que destacar la figura de Víctor Ullate, quien en 1979 se convierte en el director del Ballet Nacional de España. En 1987 Maia Plisiétskaia fue nombrada directora artística del Ballet Lírico Nacional. La incorporación del coreógrafo y bailarín español Nacho Duato como director artístico de la Compañía Nacional en 1990 ha supuesto un cambio innovador en la historia de la compañía, que ahora se ha alejado del ballet clásico propiamente dicho para acercarse de lleno a la Danza Contemporánea.

Finalmente hay que destacar el esfuerzo cubano en el desarrollo del ballet con su “Ballet Nacional de Cuba”, fundado y dirigido por Alicia Alonso.

El repertorio del ballet actual ofrece una gran variedad de estilos e influencias. Coexisten ballets modernos y los pertenecientes al repertorio clásico, aunque podemos decir que es la danza contemporánea la que está ganando actualmente el terreno

Tipos De Baile: Historia De La Salsa.

•01/04/2011 • Dejar un comentario

En los años ’60, una oleada de ritmos de origen cubano se fusionan con el jazz. Izzy Sanabria, diseñador gráfico en los estudios de Fania, los une a todos bajo una misma denominación para eliminar confusiones y vender el concepto más fácilmente. Eligió salsa, término con el que se animaban a las bandas para aumentar la energía de la actuación.

La música salsa tiene una estructura determinada: introducción, fase melódica, fase de ritmo o percusión llamada montuno, vuelta a la fase melódica y final. Las exclamaciones se usan para anunciar cambios de fase, especialmente en el montuno, que es la sección con mayor energía rítmica.


- Antecedentes de la salsa de cuba.

-Ritmos de Africa, Musica de Cuba.

-La Salsa en la Cuba Mestiza.

- La salsa en Cuba despues de la Revolución.

Francia, España y las colonias americanas: un antiguo antecedente de la salsa es la contrandanse bailada en Versalles, que pasó a la corte española, y de allí al Caribe, durante la colonización, ya con el nombre de “contradanza”. La contradanse llegó a Haití y la contradanza a La Habana

Otro factor fundamental en el origen de la salsa lo constituyen los ritmos africanos que los esclavos africanos mantenían en sus ritos religiosos, conservación posibilitada por la asimilación de sus dioses, los orishas, a los santos católicos.

Es importante también en la constitución de los ritmos salseros, la inmigración proveniente de Haití en Cuba. Una primera oleada introdujo la contradanza criolla, una versión criolla de la contradanse con influencia africana en la instrumentación y la interpretación. La segunda oleada de inmigrantes llegó a mediados del siglo XIX proveniente de la República de Haití, lo que contribuiría al nacimiento del son cubano.


Ritmos de África, música de Cuba: La tradición vocal y los ritmos de tambores son una parte central en las prácticas religiosas y sociales de los africanos. Un aspecto relevante es el de musicalidad compartida. Uno de los músicos toca un ritmo específico y único (la clave) y el resto tocan juntos formando un polirritmo. Los polirritmos son un componente esencial en la música salsa. Las claves más comunes son de son, de rumba y de samba; todas descendientes de la clave africana.
El coro-pregón es otro legado proveniente de las ceremonias religiosas, donde los cantos eran dirigidos por un líder social o religioso.

El método de composición en la Cuba de la segunda mitad del siglo XIX variaba de acuerdo a la situación geográfica. En el Oriente, la música se basaba en una progresión rítmica de acordes sencillos que acompañaban letras improvisadas que obedecían la clave. Todas estas son características que están presentes en la salsa. La música del Occidente era más europea. Los instrumentos recordaban a los encontrados en las orquestas francesas. Esta conservación de la estructura orquestal, instrumentos y músicos especializados después facilitaría la entrada del Jazz en la música Cubana.

Cuando Cuba pasó a ser una colonia independiente, lo que antes era una diferencia geográfica, se convirtió en una estratificación social en la capital: la música europea para las clases altas de blancos y la música de Oriente para las clases bajas de negros.

Cuba Mestiza: El cinquillo caribeño llegó a la danza y las habaneras cubanas por medio de la contradanza criolla. Los bailes de estas formas musicales dejaron de ser actividades de grupo para convertirse en bailes de pareja. La individualización del baile preparó el terreno para la introducción del movimiento africano en los derivados de la contradanse. El mestizaje ocurrido en el baile fue mejor aceptado por comunidades de color que por la élite gobernante conservadora.
La influencia norteamericana durante la dictadura de Batista trajo actuaciones de artistas estadounidenses, lo que abrió el camino para la influencia del jazz en la salsa. El mambo pasó a ser reconocido como un género en sí mismo en los años ’40. El chachachá, otro descendiente de la sección de nuevo ritmo, al contrario que el mambo era todavía tocado por las charangas (flauta y violín) y conservó un tiempo medio. El gran cambio fue la introducción de la conga. Ambos estilos se extendieron rápidamente por el resto del mundo.

Cuba Revolucionaria y después: Fidel Castro subió al poder en 1959. El embargo estadounidense a Cuba no pudo impedir que se escapasen nuevos ritmos; los más notables el songo y el mozambique. Pero redujo la presencia cubana en el escenario mundial. Surgen así tres nuevos centros de la salsa: Nueva York, Miami y Colombia.
En Nueva York, los inmigrantes provenientes de Puerto Rico abandonan la música folclórica portorriqueña como la bomba o la plena –excepto quizá Willie Colón, en favor de la música afrocubana. Miami fue el destino elegido por muchos de los cubanos exiliados. La salsa en Miami está relativamente politizada. El carnaval y el fomento de la salsa en Miami provienen en gran medida de un activismo político de derechas. Allí, la salsa es un símbolo de deseo: el de una Cuba sin Castro. En Colombia, el gran peso del país como centro de salsa se puede ver en su gran contribución de talentos e innovaciones rítmicas. Cuba preparó lo que se ha convertido en otra gran contribución a la historia de la Salsa: la Timba.

Baile (Introduccion)

•29/03/2011 • Dejar un comentario

-  El hombre, desde sus más remotos orígenes, como ser sociable y religioso a un mismo tiempo, sintió la necesidad de comunicarse con sus semejantes y con los poderes sobrenaturales. Para ello, con anterioridad al dominio del lenguaje y a la difusión de la expresión oral, tuvo que recurrir a sus propias limitaciones, a su propio cuerpo, para contactar con las divinidades, rendir culto a la naturaleza y poder expresar a sus congéneres de forma instintiva y espontánea sus propios sen­timientos, necesidades o temores. Asi se han dado paso la creacion de distintos tipos de baile, en distintos lugares sobre los que bailar,  distintos significados, bailar con  distintas partes del cuerpo, etc… .

- A habido bailes que en algunas culturas se utilizavan para llamar a la lluvia o incluso para decir que el que bailaba anuncivava que ya se habia convertido en una persona adulta.

– No se puede negar que el baile es muy antiguo, para algunos antropologos es anterior a la aparicion del ser  humano en el sentido de que, en cuanto a actividad natura e instintiva, aparece en diversos planos del animal. Se designa de igual manera el ritmo del movimiento ritual de algunas especies de serpientes antes de lanzarse al ataque y la danza nupcial de numerosos tipos de aves.

– Junto a la pantomina y la gesticulación más primigenia el hombre incorporó como acompañamiento diferentes sonidos, de carácter rítmico y repentivo, que convirtieron esos inciales movimientos corporales en rítmos ancestrales que vinculados a las creencias religiosidad de los pueblos y tribus de la antiguedad.


– Por esta razón es considerada como una de las primeras artes de la humanidad, ­por el hecho de que la danza ha ocupado un papel primordial en la evolución ­de las civilizaciones, en unas ocasiones como instrumento ­al servicio de creencias míticas y mágicas, otras veces como reflejo y expresión de las costumbres, saberes y preocupaciones de determinadas sociedades, y, en fin, como medio de diversión y entretenimiento de las más variadas gen­tes y clases sociales.

Hello world!

•28/03/2011 • 1 Comentario

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